Prix de photographie AIMIA | AGO

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Présélection 2014

Takashi Arai, "January 16th, 2012. Nitta river, Minamisoma, Fukushima", daguerreotype, 2012.
25.2 x 19.3 cm

Takashi Arai | Japon

né en 1978, Kawasaki, Japon
vit à Tokyo, Japon
Né à Kawasaki, où il a grandi, Arai a étudié le daguerréotype en autodidacte, et est connu au Japon comme un daguerréotypiste contemporain unique en son genre. Arai est diplômé du Tokyo College of Photography, et est maître de conférences à la Kyoto University of Art and Design, Kyoto; et au Nippon Photography Institute, Tokyo. Le travail d’Arai est diffusé internationalement. Ses principales expositions personnelles sont : The Eyes of Fukushima 2: MIRRORS HALF ASLEEP (2012), Maruki Gallery For The Hiroshima Panels, Saitama, Japon; Here and There - Ashita no Shima (2012), Ginza and Osaka Nikon Salons, Tokyo, Osaka; Dream of Image, Timeless Gallery, Beijing; Mirrors in Our Nights (2011), Kawasaki City Museum, Kawasaki; Lights, Water, Conglomerate (2011), Gallery Zero, Meiji University, Kawasaki; Flawless Lakes (2008), Project Basho, Philadelphie; Rendezvous on Mirror (2006), Yokohama Museum of Art, Yokohama.

Parmi les expositions de groupe auxquelles il a participé figurent Out of Doubt: Roppongi Crossing (2013), Mori Art Museum, Tokyo; Photography Today 4: In Their Persistent Endeavors to Meet the World (2012), National Museum of Modern Art, Tokyo; EXPOSE (2011-2012), KEN, Tokyo; Immemorial Foreseeing (2010), Fellini Gallery, Shanghai; Héritages de Daguerre, 1ère exposition en France de daguerréotypes contemporains internationaux et diorama de Bry-sur-Marne (2008), Musée Adrien Mentienne, Bry-sur-Marne, France; City Panoramic (2007), San Art, Hô-Chi-Minh-Ville. Arai a remporté le 1er prix de l’exposition Image Object (2013) au Center for Alternative Photography, New York. Son travail fait partie de la collection du Musée Adrien Mentienne, France.


Raymond Boisjoly
an other cos¬mos: trouble, 2012
Adhesive-backed inkjet media, frame
36 x 48 (91.5 x 122 cm)
Image courtesy Catriona Jeffries Gallery

Raymond Boisjoly | Nation haïda, Canada

né en 1981, Langley, C-B
vit à Vancouver/Chilliwack, C-B
Raymond Boisjoly est un artiste de Chilliwack. Son travail aborde des questions en lien avec ce que signifie être autochtone, avec le langage en tant que pratique culturelle, et avec les aspects expérientielles de la matérialité. Il a participé à des expositions à la Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto; à la Vancouver Art Gallery; à Western Bridge, Seattle; et dans plusieurs centres d’artistes autogérés.


From the series Fantasia de Compensação (2004), de Rodrigo Braga

Rodrigo Braga | Brésil

né en 1976, Manaus, Brésil
vit à Rio de Janeiro, Brésil
Né à Manaus (Amazonie) en 1976, Braga a complété un programme d’études en arts visuels à la Federal University of Pernambuco (2002), à Recife, et vit actuellement à Rio de Janeiro. En 2009 et 2010, il reçut deux bourses de création de la fondation brésilienne Funarte. Parmi ses expositions de groupe majeures, signalons : « Modern Photographic Expression of Brazil » (Japon, 2008); « New Art New », CCBB (Rio de Janeiro, 2008, et São Paulo, 2009); Rumos Itaú Cultural Artes Visuais (São Paulo, Rio de Janeiro, et Belém, 2006); « Neighbors: networked art in Brazil » (Autriche, 2006); « The Body in Brazilian Contemporary Art », Itaú Cultural (São Paulo, 2005); « Photomeetings Luxembourg » (Luxembourg, 2005); ainsi qu’une exposition au Contemporary Art Institute – IAC (Recife, 2002).

Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles dans de nombreuses institutions, dont le Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães – MAMAM (Recife, 2011), pour « Altered Cycles »; le musée In Flanders Fields (Belgium, 2010); la Fundação Joaquim Nabuco – Fundaj (Recife, 2007); le Marujada Museum Pará Federal University (Belém, 2007); l’Itaú Cultural (São Paulo, 2006); la Galeria Marcantonio Vilaça Gallery et le Santander Cultural (Recife, 2006); la Galerie Clairefontaine (Luxembourg, 2005); et la Galerie Susini (France, 2005).

Ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et publiques au Brésil et à l’étranger, dont celles de la Maison Européenne de la Photographie, Paris; du Museu de Arte Moderna de São Paulo; et du Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.


Elina Brotherus, Annonciation 9, She would go to Anne-Sophie’s school, 2011, pigment ink print, from the series Annonciation.

Elina Brotherus | Finlande

née en 1972, Helsinki, Finlande
vit à Helsinki, Finlande, et à Avallon, France
Elina Brotherus (née en 1972, à Helsinki, Finlande) travaille avec la photographie et la vidéo. Ses premières œuvres traitaient d’expériences à la fois personnelles et universelles, la présence et l’absence d’amour. Dans sa série The New Painting (2000-2005), Elina Brotherus s’intéressait à la relation de la photographie à l’histoire de l’art, tout particulièrement l’iconographie de la peinture classique. Dans Model Studies (2002-2008), et Artist and her model (2005-2011), elle a continué d’explorer les thèmes de la figure humaine à l’intérieur d’un paysage, et du regard que pose l’artiste sur son modèle. Pour ses réalisations récentes 12 ans après (2011-2012) et Annonciation (2009-2013), elle revisite une approche autobiographique, mais avec plus de distance que dans sa production des débuts.

Elina Brotherus vit et travaille en Finlande et en France.


Talia Chetrit
'Hand on Body (Crotch #1)', 2012
From 'Bodies in Trouble' series
Silver gelatin print
24x20 inches

Talia Chetrit | États-Unis

née en 1982, Washington, DC
vit à New York, NY
Talia Chetrit vit et travaille à New York, New York. Elle a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de la School of the Art Institute of Chicago, puis, en 2008, une maîtrise en beaux-arts de la Rhode Island School of Design. Talia Chetrit a récemment bénéficié d’expositions personnelles à la Leslie Fritz Gallery, New York; à Sies + Höke, Düsseldorf; et à Kaufmann Repetto, Milan. Parmi les expositions de groupe récentes auxquelles elle a participé figurent The Black Moon, Palais De Tokyo, Paris, France; Notes on Neo-Camp (commissaire Chris Sharp), Studio Voltaire, Londres, Angleterre; A Disagreeable Object (commissaire Ruba Katrib), Sculpture Center, New York, NY; et Figure and Form in Contemporary Photography, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, Californie.


Robyn Cumming, Untitled, from the series Lady Things, 2008

Robyn Cumming | Canada

née en 1981, Canada
Si Robyn Cumming était une créature, elle serait un bébé troll, parce qu’ils sont petits, forts à en frémir, et tout à fait adorables. Si elle était un objet, elle serait une pile de 500 millions billets de 10 dollars qui, à leur tour, seraient utilisés pour acheter plus d’objets. Si elle était une émotion, elle serait un rire se transformant en toux, puis en pleurs à donner des haut-le-cœur.

Robyn est une artiste de la photographie qui travaille à Toronto. Elle a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de la Ryerson University, Toronto, et une maîtrise en beaux-arts de la York University, Toronto, et est actuellement professeure associée au département Image Arts à Ryerson. Une part importante de son travail traite de romantisme, de sentimentalité et de matérialité, en lien avec la fascination humaine pour les objets. Elle crée une imagerie qui invite à ruminer sur la laideur, sur la choséité, et sur nos perspectives continuellement changeantes de la forme humaine. Robyn est reconnue sur la scène internationale, notamment par ses expositions aux États-Unis, en Asie, et au Canada.


Chris Curreri, Untitled (Clay Portfolio) (2013)
gelatin silver print, 7 3/4′′ x 5 3/4′′, from a portfolio of 21 images

Chris Curreri | Canada

né en 1978, Canada
Chris Curreri est un artiste canadien qui travaille avec les techniques du film, de la photographie et de la sculpture. Sa production s’appuie sur l’idée que les choses en ce monde ne sont pas définies par des propriétés essentielles, mais plutôt par les relations que nous établissons avec elles. Il compte parmi ses expositions récentes : Medusa, à la Daniel Faria Gallery, Toronto (2013); Surplus Authors, au Witte de With, Rotterdam (2012); Something Something, au University of Toronto Art Center (2011); An Unpardonable Sin, à Castillo/Corrales, Paris (2010); et Perceptions and their Arousal, au Agnes Etherington Art Center, Kingston (2008). Ses films ont récemment été présentés au Image Forum Festival, Japon; au Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Argentine; et au Toronto International Film Festival, Canada. Il a obtenu une maîtrise en beaux-arts de la Milton Avery Graduate School for the Arts at Bard College.


Pradeep Dalal,
Rajgir
2013
11 Digital C-Prints; 8 x 12 inches each
Photographs courtesy the artist

Pradeep Dalal | Inde

né à Mumbai, Inde
vit à New York, NY
Pradeep Dalal est artiste et écrivain. Son travail a récemment été présenté dans le cadre des expositions « Stories in the Social Landscape », au ICP, New York; « Strange Invitation », à Franklin Street Works, Stamford, CT; « Picturing Parallax: Photography and Video from the South Asian Diaspora », à San Francisco; « Exchanging Glances », à Chatterjee & Lal, à Mumbai; « Vision is Elastic. Thought is Elastic », à Murray Guy, New York; et « Fifty Artists Photograph the Future », à Higher Pictures, New York. Pradeep a également exposé à la Herter Art Gallery, à Amherst, MA; au Aljira Center for Contemporary Art, à Newark, NJ; à TART, San Francisco; à Orchard, New York; et à PS122 Gallery, New York. Son travail photographique a été publié dans Blind Spot 43, et son essai « A Bifocal Frame of Reference » est paru dans Western Artists and India (Thames and Hudson, 2013). Il est récipiendaire d’un Tierney Fellowship, d’une maîtrise en beaux-arts du ICP/Bard College, et d’une maîtrise en architecture du MIT. Il fait partie du corps professoral du International Center of Photography et de la Milton Avery Graduate School of the Arts at Bard College, et dirige le Creative Capital | Warhol Foundation Arts Writers Grant Program.


Lucas Foglia, George Chasing Wildfires, Eureka, Nevada, from the series Frontcountry, 2012

Lucas Foglia | États-Unis

né en 1983, New York, New York
Lucas Foglia a grandi sur une petite ferme familiale dans l’état de New York, et est diplômé de la Brown University, Rhode Island, et de la Yale School of Art, Connecticut. La première monographie de Foglia – A Natural Order, publiée en 2012 par Nazraeli Press – a connu un succès critique international. Les photographies de Foglia ont été abondamment exposées aux États-Unis et en Europe, et font partie des collections de plusieurs musées, dont le Denver Art Museum; le Museum of Fine Arts, Houston; le Philadelphia Museum Art; et le Victoria & Albert Museum, Londres. Nazraeli Press vient de publier la deuxième monographie de Foglia, Frontcountry, qui s’intéresse de près à des individus vivant un boom minier dans l’Ouest américain moderne.


David Hartt
The Republic IV
2014
Archival pigment print mounted to Dibond and framed
76.2 x 144.3 cm

David Hartt | Canada

né en 1967, Montréal, Canada
vit à Chicago, États-Unis
David Hartt (né en1967, Montréal) vit et travaille actuellement à Chicago. Il a obtenu une maîtrise en beaux-arts de la School of the Art Institute of Chicago en 1994. Son exposition Stray Light, organisée par le Museum of Contemporary Art, Chicago (2011), à voyagé au Studio Museum in Harlem, New York, et à la Henry Art Gallery, Seattle (2013), et ouvrira en mai de cette année au Carnegie Museum of Art, Pittsburgh. En 2012, il a été nommé United States Artists Cruz Fellow. Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques, dont le Museum of Contemporary Art, Chicago; l’Art Institute of Chicago; le Museum of Contemporary Photography, Chicago; le Whitney Museum of American Art, New York; la Henry Art Gallery, Seattle; le Stedelijk Museum, Amsterdam, et le Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa.


Jean-Paul Kelly, Service of the goods, HD video, 2013

Jean-Paul Kelly | Canada

né en 1977, London, Ontario
Jean-Paul Kelly (né à London, Canada, 1977) réalise des dessins, des photographies et des vidéos qui sont souvent présentés ensemble. Son travail a été exposé au Wexner Center for the Arts (Columbus); à Scrap Metal Gallery (Toronto); à la Power Plant Contemporary Art Gallery (Toronto); à Vox Populi (Philadelphie); à Mercer Union (Toronto); à Gallery TPW (Toronto), et au Tokyo Wonder Site. Ses vidéos ont été visionnées dans le cadre de Views From the Avant-Garde du New York Film Festival; du 2013 Flaherty Film Seminar; du Images Festival; du International Film Festival Rotterdam; du Toronto International Film Festival; et du Internationale Kurzfilmtage Oberhausen.


Meiro Koizumi, Mnemonic (father), video installation, 2010-2011, 6min20sec

Meiro Koizumi | Japon

né en 1976, Gunma, Japon
vit à Yokohama, Japon
Meiro Koizumi est né à Gunma, Japon, 1976, et travaille à Yokohama, Japon. Il a étudié à la International Christian University, Tokyo (1996-1999), au Chelsea College of Art and Design, Londres (1999-2002), et à la Rijksakademie van beeldend kunsten, Amsterdam (2005-2006). Il a remporté le 1er prix de Beck’s Futures Student film and Video Awards, Londres (2001). Il compte parmi ses expositions personnelles : « Project Series 99: Meiro Koizumi », au Museum of Modern Art, New York (2013); « Broken Hero, Beautiful Afternoon », à Art Space, Sydney (2011); et « MAM Project 009 », au Mori Museum, Tokyo (2009). Il a participé à de nombreuses expositions de groupe, dont « Future Generation Art Prize », au Pinchuk Art Center, Kiev (2013); « Invisible Memories », au Hara Museum, Tokyo (2011); la biennale de Liverpool (2010); Mediacity Seoul (2010); la triennale d’Aichi, Japon (2010); et la triennale de Nanjing, Chine (2008).


Owen Kydd
Canvas Leaves, Torso, and Lantern, 2011
Owen Kydd
Video on Commercial Display
courtesy of the artist

Owen Kydd | Canada

né en 1975, Calgary, Alberta
La « photographie perpétuelle/durationnelle » est le terme qu’Owen Kydd (né à Calgary et vivant à Los Angeles) emploie pour décrire ses œuvres. Elles sont de courtes vidéos en boucle défilant sur des écrans plats, encadrés et installés aux murs, un peu à la manière de boîtes lumineuses. Tels des photographies ou des GIF mis en mouvement, les œuvres oscillent entre la nature morte et le mouvement perpétuel, et bien que les images soient semblables à des photographies bidimensionnelles, leur mise en scène dans l’espace crée une fascinante expérience spatiale. Kydd brouille les frontières entre l’image fixe et mouvante, entre la photographie et la vidéo, et, ce faisant, questionne l’utilité de telles classifications, tout en explorant les définitions contemporaines de l’image.


Elad Lassry
Hoffmann (Swirl), 2011
c-print, painted frame
14.5 x 11.5 x 1.5 inches
(36.8 x 29.2 x 3.8 cm)
Edition of 5, 2 AP
Courtesy of the artist and David Kordansky Gallery, Los Angeles, CA

Elad Lassry | Israël

né en 1977, Tel-Aviv, Israël
Né à Tel-Aviv, Israël en 1977, Elad Lassry vit et travaille actuellement à Los Angeles. Il a obtenu un baccalauréat en beaux-arts du California Institute of the Arts, avec une double majeure en arts plastiques et en cinéma (2003), ainsi qu’une maîtrise en beaux-arts de la University of Southern California (2007). Le travail de Lassry fait présentement l’objet d’une exposition personnelle à caractère installatif au Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam. D’autres expositions personnelles de son œuvre ont été présentées au Whitney Museum of American Art, New York; au Kunsthalle Zurich; au Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan; à Tramway, Glasgow; et à The Kitchen, New York. Il compte parmi ses expositions de groupe récentes Film as Sculpture, WIELS centre d’art contemporain, Bruxelles; Deutsche Börse Photography Prize 2011, The Photographersʼ Gallery, Londres; la 54e biennale de Venise, pavillon international; Time Again, Sculpture Center, New York; New Photography 2010, Museum of Modern Art, New York; et The Generational: Younger Than Jesus, New Museum, New York.


Angelica Mesiti, Citizens Band, 2012, Four channel video installation
Photography Bonnie Elliott, Courtesy of the artist and Anna Schwartz Gallery.

Angelica Mesiti | Australie

née en 1976, Sydney, Australie
Angelica Mesiti réalise des vidéos-performances qui examinent l’état de transformation de la culture, dû à des changements sociaux ou économiques. Ses projets antérieurs ont traité de musique traditionnelle, de langages du mouvement, et de l’art du conte. Son travail est marqué par un intérêt continu pour le potentiel des pratiques culturelles performatives en tant qu’expressions des particularités et de l’histoire d’un lieu et d’une communauté donnés.


Sabelo Mlangeni, Themba Qume, Zondi 1 Soweto, from the series Black Men in Dresses, 2011,
hand-printed silver gelatin print, 36 x 36cm

Sabelo Mlangeni | Afrique du Sud

né en 1980, Afrique du Sud
Sabelo Mlangeni est né à Driefontein, près de Wakkerstroom, dans le Mpumalanga. En 2001, il a déménagé à Johannesburg, et y a fréquenté le Market Photo Workshop, où il a complété un programme d’études en 2004. Sa première exposition personnelle, Invisible Women, eut lieu à Warren Siebrits, Johannesburg (2007). Il a remporté le Tollman Award for the Visual Arts en 2009. Parmi les expositions de groupe importantes auxquelles il a participé figurent la biennale de Lubumbashi (2013); The Unexpected Guest, dans le cadre de la biennale de Liverpool (2012); Les Rencontres de Bamako – 9e édition de la biennale africaine de la photographie, au Mali (2011); le Lagos Photo Festival, Nigeria (2011); Figures and Fictions: Contemporary South African photography au Victoria & Albert Museum, Londres (2011); et I am not afraid: The Market Photo Workshop, Johannesburg, à la Johannesburg Art Gallery (2010).


Nandipha Mntambo, Praça de Touros I, 2008, Archival pigment ink on cotton rag paper, 101 x 152cm

Nandipha Mntambo | Afrique du Sud

née en 1982, Afrique du Sud
Née dans le Swaziland en 1982, Mntambo a obtenu une maîtrise en beaux-arts (avec mention de distinction) de la Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, en 2007. Elle a remporté le Standard Bank Young Artist Award for Visual Art en 2011, pour lequel elle a réalisé les œuvres de l’exposition itinérante nationale Faena. Elle a présenté quatre expositions personnelles à la galerie Stevenson, à Le Cap (2007, 2009, 2012) et à Johannesburg (2009); et a eu sa première exposition personnelle européenne à Andréhn-Schiptjenko, Stockholm, en 2013. Elle a participé à plusieurs expositions de groupe majeures, dont la 3e biennale internationale pour jeunes artistes de Moscou (2012); ARS 11, au Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki (2011); la 17e biennale de Sydney (2010); la 9e biennale de Dakar (2010); Peekaboo: Current South Africa, au Tennis Palace Art Museum, Helsinki (2010); Life Less Ordinary: Performance and Display in South African Art, à la Djanogly Gallery, Nottingham, R-U (2009); Les Rencontres de Bamako – 9e édition de la biennale africaine de la photographie, Bamako, Mali (2009); Beauty and Pleasure in South African Contemporary Art, au Stenersen Museum, Oslo (2009); ZA: Young Art from South Africa, au Palazzo delle Papesse, Sienne (2008); et Apartheid: The South African Mirror, au Centre de Cultura Contemporania de Barcelona (2008). Mntambo a été nommée Civitella Ranieri Fellow pour 2013.


Lisa Oppenheim
Leisure Work (Version III) (middle), 2013
Silver gelatin photogram
86.5 x 106.5

Lisa Oppenheim | États-Unis

née en 1975, New York, New York
Lisa Oppenheim (née en 1975, É-U) développe depuis plusieurs années un corpus d’œuvres singulier explorant l’usage d’imagerie historique. Se situant à mi-chemin entre l’appropriation et la reconstruction, sa démarche engendre des œuvres qui, en quelque sorte, se substituent à des documents photographiques et filmiques au moyen desquels l’histoire et le présent sont transmis par un langage actuel. L’on pourrait définir son œuvre comme une archéologie du temps et de la culture visuelle. En exposant, voire en réexposant, des documents d’archives, Oppenheim crée un pont entre le passé et le présent, insufflant un sens nouveau à ces images historiques, au moyen, le plus souvent, de projets filmiques et photographiques. Le travail de Oppenheim a été exposé au Museum of Modern Art, New York; au Solomon R. Guggenheim Museum, New York; au Mass MoCA, North Adams; et au International Center of Photoraphy, New York. Elle prépare actuellement des expositions personnelles pour la Kunstverein Hambourg et pour le FRAC Champagne-Ardenne; et ses œuvres font partie des collections permanentes du Museum of Modern Art, New York; du Solomon R. Guggenheim Museum, New York; et du MIT List Visual Arts Center, Cambridge.


Anna Ostoya, Exposures: 14.02.2011
Papier maché, gold leaf, acrylic and newspaper on canvas 24 x 20 inches 61 x 50.8 cm
Courtesy the Bortolami Gallery and the artist.

Anna Ostoya | Pologne

née en 1978, Pologne
Anna Ostoya est née en 1978 à Cracovie, Pologne. Sa production de photographie, de collage, de peinture, de sculpture, et d’écriture intègre de multiples traditions esthétiques et s’inspire souvent de diverses pratiques et histoires de l’avant-garde du vingtième siècle. Rejetant l’opposition banale entre l’esthétisme et l’anti-art .Ostoya produit des objets esthétiques qui, invariablement, dirigent le regardeur vers les contextes historique et institutionnel de la production artistique.

Ostoya a étudié à l’École Parsons, à Paris, et à la Städelschule, à Francfort-sur-le-Main. De 2008 à 2009, elle a participé au Whitney Independent Study Program, à New York. En juin 2014, Ostoya jouira d’une importante exposition personnelle à la Kunsthalle Mulhouse, qui comprendra un nouveau corpus d’œuvres, et qui sera accompagnée de la première monographie sur son travail. Ses photomontages et ses collages ont récemment fait partie de l’exposition « New Photography 2013 », au Museum of Modern Art, New York. Elle a participé à la Manifesta 7, Rovereto (2008), ainsi qu’à la 2e biennale d’Athènes (2009), et a bénéficié d’expositions personnelles majeures à la Bortolami Gallery, New York (2011, 2013); à la galerie Silberkuppe, Berlin (2011, 2013); à la galerie Tegenboschvanvreden, Amsterdam (2011); et à Foksal Gallery, Varsovie (2010). Son travail a également été inclus dans des expositions de groupe au Power Plant, Toronto (2011); au Center for Contemporary Art Kronika, Bytom (2010); au Center for Curatorial Studies, Bard College, Annandale-on-Hudson (2010); à la Lisson Gallery, Londres (2009); et à la Zacheta National Gallery, Varsovie (2007). En 2012, elle fut invitée à concevoir un projet dans le cadre de l’exposition Thing/Thought: Fluxus Editions, 1962–1978, au Museum of Modern Art, New York.


Birthe Piontek, Untitled # 11, from the series Mimesis

Birthe Piontek | Allemagne

née en 1976, Allemagne
vit à Vancouver, C-B
Birthe Piontek est une photographe qui vit et travaille à Vancouver, C-B, Canada. Originaire de l’Allemagne, elle a déménagé au Canada en 2005, après avoir obtenu une maîtrise en communication, design et photographie de l’Universität de Duisbourg-Essen.

Birthe décrit sa photographie comme une exploration de l’individu, et s’intéresse au concept de soi. Son thème de prédilection est le portrait, qu’elle explore également au moyen d’autres formes artistiques, telles l’installation et la sculpture. En sondant le portrait sous différentes formes, elle cherche, entre autres, à comprendre jusqu’à quel point l’identité peut être visualisée.

Son travail a été diffusé internationalement, tant dans des expositions personnelles que de groupe, et fait partie de plusieurs collections privées et publiques, dont le Museum of Contemporary Photography, à Chicago, et le Museum für Angewandte Kunst, à Gera, Allemagne. En 2008, Birthe a fait partie de la sélection des 30 artistes PDN de Photo District News Magazine, et a été finaliste pour le Santa Fe Prize in Photography. Son projet The Idea of North a remporté le Critical Mass Book Award 2009, et a été publié sous forme de monographie en 2011. Le travail de Birthe est paru dans plusieurs publications internationales : The New York Times Magazine, Le Monde, Wired et The New Yorker, parmi d’autres.

Elle est représentée par Charles Guice Contemporary, à New York, et Kominek Gallery, à Berlin. Birthe est membre du réseau Piece of Cake.


Andrea Robbins & Max Becher, German Indians: Knife Thrower, 1998

Andrea Robbins & Max Becher États-Unis + Allemagne

Robbins née en 1963, Massachusetts
Becher né en 1964, Düsseldorf
vivent à New York
Nous sommes un couple marié qui s’est rencontré à l’université en 1984. Depuis lors, nous travaillons de façon individuelle, ainsi qu’en collaboration, utilisant la photographie, le film, la vidéo et les médias numériques. Par ailleurs, nous avons enseigné l’art pendant plusieurs années au niveau universitaire/nous enseignons l’art depuis plusieurs années au niveau universitaire. Le thème principal de notre travail est ce que nous nommons le déplacement de lieu — des situations dans lesquelles un lieu délimité/circonscrit ou isolé ressemble fortement à un autre, qui lui est éloigné. Partout au monde, non seulement en Amérique du Nord, de telles situations s’accumulent et sont acceptées en tant que lieux véritables. Les notions traditionnelles de lieu, où la culture et la localisation géographique coïncident parfaitement, sont actuellement mises en question par les héritages de l’esclavage, du colonialisme, de l’Holocauste, de l’immigration, du tourisme, et de la communication de masse. Que le sujet soit l’Allemagne en Afrique, les Allemands se déguisant en Amérindiens, des villes américaines « habillées » en villes allemandes, New York à Las Vegas, New York à Cuba, ou Cuba en exil, notre intérêt est le lieu hors-lieu, le lieu déplacé, avec ses diverses causes et conséquences. Robbins/Becher 2014.


Martin Weber, From the series Mario. Saved Calls, 2007-11

Martin Weber | Chile

né en 1968, Chile
L’artiste argentin Martin Weber (né en 1968 au Chile) vit à Buenos Aires, a étudié à l’Universidad de Buenos Aires, et, en 1992, au International Center of Photography, New York. Weber a été récompensé par quantité de prix et bourses, dont le Silver Eye Award 2008; une subvention de la No Strings Foundation (2005); la Prince Claus Grant (2004), deux subventions de la Hasselblad Foundation (2001 et 1999); et un Guggenheim Fellowship (1998). Il a également été artiste en résidence au Center for Photography at Woodstock (2004); à Lightwork, Syracuse, New York (2002); et à IASPIS, Suède (1998).